音楽讃美

音楽讃美第10回：鬼束ちひろ『good bye my love』

※このカテゴリー「音楽讃美」は、世間でいうところの音楽レビューになるのでしょうが、僕としては自分が聴く音楽は全部最高に自分が好きなものばかりなので、星がいくつなどという「評価」はしません。とにかく自分が触れている音楽作品を讃美しようというカテゴリーです。基本的にネタバレを含むので、ご注意ください。それでは、どうぞお付き合いください。

音楽讃美第10回では、鬼束ちひろのシングル『good bye my love』を取り上げます。まずは収録曲を下記に記載します。

1.good bye my love
2.夏の罪
3.碧の方舟(acoustic version)
4.月光(Live) Live at 日本橋三井ホール on April 10, 2016

久々に出した「鬼束ちひろ」単独名義のシングルですが、この曲目を見るだけでもはやこれがシングルというよりミニアルバムの体を成している印象すら受けます。しかも、2曲目「夏の罪」の編曲は初期の鬼束ちひろを支えた羽毛田丈史です。実際に聴いてみると、特にアルバム『Sugar High』あたりを彷彿とさせる「あのころ」の鬼束ちひろが感じられます。

アルバム『シンドローム』もそうでしたが、それに先行する形で発表された本作は「鬼束ちひろ復活」と評判でした。しばらく声もかなり不調で高音域なんて全然出せないような状態から、よくここまで回復したなと、鬼束ちひろの努力は尊敬に値します。実際にインタビューで「声が出るように体を鍛えるようにしている」という旨の発言をしていたので。

1~3曲目はすべて新曲ですが、『LAS VEGAS』や『DOROTHY』で出てきた歌詞の書き方の変化、つまり「降りてくる」から「俯瞰して書く」への変化がより顕著に現れている印象です。「夏の罪」は最近の鬼束ちひろの歌詞のスタイルと「あのころ」のサウンドが折り合わさって、ファンとしては懐かしさがありつつも新鮮な空気も感じられます。

そして何より、鬼束ちひろの決意を感じたのが4曲目のライブバージョンの「月光」です。鬼束ちひろが「月光」に拒否感というか、プレッシャーのようなものを感じていたのは彼女の言動やライブの曲目からこの「代表曲」が外されることもあったという事実から明らかでした。

それをしっかりライブで歌い上げ、それがこのシングルに収録されているあたり、かつての重荷であった「月光」すら背負って突き進んでいくという彼女のストーリーを感じられずにはいられません。

このシングルの発売後、アルバム『シンドローム』を引っ提げて行われた久々のツアーやその後のライブ「BEEKEEPER」でも「月光」を歌っていました。

僕自身は「月光」を上回る名曲、たとえば「蛍」のような楽曲を鬼束ちひろはたくさん持っていると思いますが、やはりオーディエンスは「月光」を鬼束ちひろに求めている部分はあるし、彼女もそれを理解していたと思います。そしてそれがやっと彼女自身の中で腑に落ちたのがこの『good bye my love』の発表時期だったのかもしれません。

「しばらく鬼束ちひろを聴いていなかった」という人にこそまさに勧めたい、素晴らしい作品です。
音楽讃美第9回：Shiroharu Luna『Wonderland and Twilight』

※このカテゴリー「音楽讃美」は、世間でいうところの音楽レビューになるのでしょうが、僕としては自分が聴く音楽は全部最高に自分が好きなものばかりなので、星がいくつなどという「評価」はしません。とにかく自分が触れている音楽作品を讃美しようというカテゴリーです。基本的にネタバレを含むので、ご注意ください。それでは、どうぞお付き合いください。

今回の音楽讃美では、Twitterで知ったShiroharu Lunaさんのインストアルバム『Wonderland and Twilight』を取り上げます。

実はあらゆるミュージシャンのインストアルバムの中で、僕が最もよく聴いているのがこの作品です。まるで短編小説を読んでいるかのような、だけど小説とは決して違う世界を感じます。

インストというものは、歌ものに比べると歌詞の有無からその解釈がリスナーに委ねられる部分がかなり大きいです。そこで重要になるのがアルバムや楽曲のタイトルですが、『Wonderland and Twilight』は楽曲はもちろん、タイトルを追いながら聴くことでいろんな想像を膨らますことができます。

「Scared」という楽曲が前半に収められていますが、曲自体は自然の音が入った心地よいサウンドです。でも、このアルバム、そしてこのタイトルによって「Scared」は「新しいもの」への恐れや期待感を感じさせる楽曲に変貌します。

アルバムのタイトルを見ると、『Wonderland and Twilight』はその世界に迷い込んだ孤独な雰囲気をまとっている印象がありますし、前半では実際に一人旅に出ているような気分になります。

ところが、「共犯者」や「グル」を意味する「Accomplice」という楽曲で、『Wonderland and Twilight』が決して孤独な世界ではないことが知らされます。また、各楽曲の豊かで洗練されたサウンドも他者の存在を意識させます。

そのうえで終盤の「24 Silent Clocks」を初めて聴いた時、僕は涙ぐみました。「24」は1日の時間を表しているとも捉えられますが、複数形の「Clocks」によって「人それぞれの時間」を指しているように感じられます。そして、それは「Silent」なんです。

時間という概念自体は見えず、聞こえない静かなものです。同時に、他者の中で流れる思いや時間も見えないものです。

「24 Silent Clocks」は単独で聴くと一人の中にある走馬灯のようなもの感じさせますが、アルバム単位で聴いた時、この楽曲にはたくさんの人の命の香りがします。

『Wonderland and Twilight』は悲しみや切なさ、死や没落をイメージさせる「Twilight」をタイトルに含みながらも、そこに「Wonderland」が確実に横たわっています。

僕がこのアルバムを聴いた時に感じるのは、「Wonderland」と「Twilight」のどちらかではなく、両方を行き来したり、それらが中和されてグラデーションになった「美しい世界」です。そして、アルバムに流れるたくさんの命の息吹を聴くと、もしかすると『Wonderland and Twilight』は僕たちが生きるこの世界なのかもしれません。

【リンク】
Bandcamp 『Wonderland and Twilight』
Twitter (@songrabbitter )
音楽讃美第8回：中島みゆき『夜会VOL.14 24時着 00時発』

※このカテゴリー「音楽讃美」は、世間でいうところの音楽レビューになるのでしょうが、僕としては自分が聴く音楽は全部最高に自分が好きなものばかりなので、星がいくつなどという「評価」はしません。とにかく自分が触れている音楽作品を讃美しようというカテゴリーです。基本的にネタバレを含むので、ご注意ください。それでは、どうぞお付き合いください。

中島みゆきの『夜会』シリーズの中でもトップレベルで難解な作品にも関わらず、傑作との評価も多い『24時着00時発』は初めて大阪で開かれた回でもあります。

『銀河鉄道の夜』をモチーフに輪廻転生など様々な要素が盛りだくさんなのは近年の『夜会』においても顕著ですが、『24時着00時発』が高い評価を誇っている理由は楽曲とストーリー、セリフの絶妙なバランスにあるかもしれません。

基本的に主人公はアカリなんですが、初っ端から出てくるのは男性の恰好をし、低い声で語りかける中島みゆきの扮する人物です。この人物は最後の「命のリレー」歌唱前にも登場し、服装や男性のイメージから宮沢賢治の役かもしれません。中島みゆきは文学に精通していますから、この冒頭と最後の場面に宮沢賢治への深い理解と敬意が込められている印象を受けます。

『24時着00時発』を難解にしているのは、乗っていた鉄道が別世界に行ったり、そこでわけのわからないホテルが出てきたかと思えば、施工が放棄された建築現場に場面が切り替わり、さらには鮭まで出てくるという目まぐるしい場面展開でしょう。

また、台詞や楽曲の並びもあまり考えずに見ると気になりませんが、ちょっと考えだすとどこまでも考えらえるという意味で、非常に奥深い難解さがあると思います。

ここでは、その難解さの一部を紐解いてみます。それはアカリと鉄道の関係性です。

アカリは諸事情で海外旅行中、まさかの国外追放になり、乗った鉄道がそのまま異世界へと繋がっていました。途中で止まってしまった鉄道の駅には、廃線を伝える文書が掲示されていました。

この場面で文書に書かれている内容をアカリが歌にして読み上げるのですが、僕はそのエフェクトに注目しました。ボーカルにディレイ(語弊はありますが、いわゆるエコーみたいな感じ)がかかって、まるで駅員が実際に放送しているかのような歌唱になっているんです。

その後、帰れない者たちの悲劇を歌う場面ではアカリが「田舎を嫌って去ったもの」であることが明かされます。さらに、アカリの父が「田舎者の鉄道員」だったことも判明します。

また、捨てられた建築物は鮭の遡上を妨げる関になってしまっています。鮭が見られるほどの川が都心部にあることは考えづらいですし、そうなると後半で鮭(魂)がさまよっている場所は田舎にあるということでしょう。

これで複雑だった一連の場面が一気に繋がります。アカリは廃線のお知らせを読み上げたり、車掌の恰好をすることで、恐らくいまは亡き鉄道員の父の意志を受け継いでいるわけです。田舎を去って「帰れない者」になったアカリですが、車掌姿で階段で歌う「命のリレー」は明らかに父を思っています。

もしかすると、父親が働いていた駅こそ鮭の遡上を妨げる「でたらめな階段」と関連していた場所なのかもしれません。そうなると、アカリが鮭たちを救わないといけない「因縁」が見えてきます。

しかし、『24時着00時発』は悲観的な意味合いの輪廻転生とは違うスタンスを取っています。それは「サーモン・ダンス」や「命のリレー」の「生まれ変わっても直向きに生きろ」というメッセージからわかるでしょう。

また、「命のリレー」の大きなポイントは、「自分自身の転生」ではなく「他者の転生」に重点を置いていることです。歌詞の一部を引用します。

「この一生だけでは辿り着けないとしても
命のバトン摑んで　願いを引き継いでゆけ」

一行目だけに注目すると、主体が誰かは分かりません。辿り着けないのは自分かもしれないし、他の人かもしれない。でも、2行目を見てみると、バトンをつかみ、願いを引き継ぐのは「自分」であることがわかります。

そう考えると、この歌の本質は「あなたの周りに散らばっている叶わずに終わった様々な思い、意志、願いに気づき、それを担って引き継いで」ということではないでしょうか。

正直、どちらかというとバッドエンドとも言える終わり方をする『24時着00時発』ですが、各所に込められた中島みゆきの優しい思いがこの作品をうまくまとめあげ、傑作にしている、そう思えます。
音楽讃美第7回：中島みゆき『夜会VOL.4 金環蝕』

※このカテゴリー「音楽讃美」は、世間でいうところの音楽レビューになるのでしょうが、僕としては自分が聴く音楽は全部最高に自分が好きなものばかりなので、星がいくつなどという「評価」はしません。とにかく自分が触れている音楽作品を讃美しようというカテゴリーです。基本的にネタバレを含むので、ご注意ください。それでは、どうぞお付き合いください。

『夜会VOL.4 金環蝕』は中島みゆきの『夜会』シリーズの中でも「笑い」に注目したかなり異色の作品です。「金環蝕」という現象を媒介に、天文学者と日本神話の世界(『古事記』と『日本書紀』)がリンクするという内容ですが、ほとんどのシーンは神話側です。

「アマテラス」どころか『古事記』の概要まで知っていないと、何が何だか分からないという意味での敷居の高さは、後に上演された『夜物語』と同じ雰囲気を感じさせます。ただ、『夜物語』に比べると『金環蝕』の方が既存の楽曲をベースにしている点で、予備知識がなくとも楽しみやすいでしょう。

神話の世界のセリフは『古事記』から引用されているところもあり、日本神話好きにはたまらない作品かもしれません。

途中、中島みゆき演じる「ウズメノミコト」が爆乳になって「真っ直ぐな線」を歌うシーンがあるのですが、これは日本神話を知らない人からすると「中島みゆきやべえ…」と確実になります笑
「ウズメノミコト」は「アメノウズメ」のことで、天の岩戸に引きこもったアマテラスを誘い出すために官能的な見世物を披露し、八百万の神を笑わせたという日本神話に基づいています。中島みゆきは大学で文学を学んでますから、その造詣の深さを感じさせます。

終盤の「EAST ASIA」からエンディングまではただただ圧巻。美しく踊って歌う中島みゆきが見られます。
「EAST ASIA」はファンの間では「天安門事件」というイメージが先行しがちですが、実はもっと多様な解釈ができる楽曲だと僕は思っています。凄く個人的な歌でもあるし、「天安門事件」という特定のテーマとも捉えられるし、もっと普遍的なことを歌っているようにも聞こえます。『金環蝕』では「言葉の実験劇場」にふさわしく、「EAST ASIA」が日本神話という文脈で再構築されています。

最近では「二隻の舟」以外、すっかり書き下ろしの曲ばかりになった夜会ですが、この段階ではまだそれまでリリースされた既存の楽曲が新しい表現で歌われているので、日本神話を知らなくとも「ライブ」という観点で楽しめる秀作です。
音楽讃美第6回：鬼束ちひろ『DOROTHY』

※このカテゴリー「音楽讃美」は、世間でいうところの音楽レビューになるのでしょうが、僕としては自分が聴く音楽は全部最高に自分が好きなものばかりなので、星がいくつなどという「評価」はしません。とにかく自分が触れている音楽作品を讃美しようというカテゴリーです。基本的にネタバレを含むので、ご注意ください。それでは、どうぞお付き合いください。

今回の「音楽讃美」では、鬼束ちひろのターニングポイントとなったと言える2009年のアルバム『DOROTHY』をご紹介します。

それまでの鬼束ちひろは激しい思いを吐露するように歌詞を書き、曲を作っていましたが、前作の『LAS VEGAS』については「ずっと歌える曲をつくりたい」という意思が生まれたことを語っており、『DOROTHY』はまさに「ずっと歌える楽曲」の結晶体と位置づけられるアルバムです。

１曲目のドラムとボーカルだけで歌われる「A WHITE WHALE IN MY QUIET DREAM」から「陽炎」はストーリーの幕開けを感じさせ、「X」で高揚した感情の行く先は「ストーリーテラー」という楽曲で客観的に方向を示されます。

「ストーリーテラー」はこのアルバムの方向性だけでなく、鬼束ちひろの生き方が凝縮された一曲とも感じられます。

ポップな「STEAL THIS HEART」やアップテンポで爽快感の強い「I Pass By」は、いわゆる「鬼束ちひろ像」とは離れた楽曲ですが、同時に鬼束ちひろが本当にやりたい音楽の一部でもあります。このアルバム以降、しばらく鬼束ちひろはネット上でも話題になった「変貌」を世間に見せつけることになり、楽曲も今までの「鬼束ちひろ像」から遠ざかっていきます。

『DOROTHY』がアルバム全体で一つのストーリーとしたら、この2曲は「変貌」の最中の鬼束ちひろを表しているとも言えるかもしれません。

続いてセンチメンタルな「帰り路をなくして」が流れ、アルバムは佳境へ向かいます。この楽曲の特筆すべき点は、演奏時間が7分近くあるということです。鬼束ちひろのそれまでの楽曲を振り返るとかなり長い方ですし、5分程度で収まることが多いJ-POPとしても異質さを感じさせますが、このアルバムには6分近くの「蛍」、7分を超える「VENUS」も含まれています。

実は『DOROTHT』はとんでもない名盤でありながら、鬼束ちひろの体調などもあり、プロモーション活動が皆無のアルバムとなりました。悲観的にとらえれば「もったいない」となりますが、ポジティブにとらえれば『DOROTHY』は商業的なプレッシャーからかなり解放されています。それは楽曲の多様性、サウンドの豊かさ、先述した楽曲の演奏時間に現れているでしょう。

さて、「帰り路をなくして」の次に収録されている「Losing a distance」は、最新アルバム『syndrome』の「碧の方舟」へ続く作品のように感じられる「あなたという海に溺れること」を扱っています。

「Losing a distance」が「あなたという海」に愛着を感じつつも、恐れている状態としたら、「碧の方舟」は全てを受け入れてその海が自分の終の地でも構わないという楽曲です。

意図的ではないと思いますが、『DOROTHY』と『syndrome』を連続で聴くとこれまたストーリー性を感じられるので、「月光」以降の鬼束ちひろをまだ聴いてない方にはぜひこの2作品をお勧めします。

アルバムも終盤にさしかかったあたりでファンの間でも評価の高い「ラストメロディー」、珠玉の名曲「蛍」が流れます。「蛍」に関してはまた単独の記事として取り上げます。

最後の楽曲「VENUS」は、それまでの鬼束ちひろからは想像できなかった「愛への決意」が歌われます。真実に辿り着いた時、鬼束ちひろは心を燃やし、「愛を連れることを選ぶ」と歌い上げます。

このアルバム以降、鬼束ちひろのライブでも活躍する坂本昌之の豊かなストリングスアレンジが非常に美しく、フィナーレにふさわしい一曲です。2018年のライブで鬼束ちひろが大阪で起こった震災に言及したうえで「VENUS」を歌ったというストーリーも印象的です。

プロモーション活動が無かったため、ファン以外は知ってる曲がほとんどない『DOROTHY』ですが、その後のライブ・ツアーではこのアルバムから多く歌われていますし、ファンからの評価も非常に高い名盤です。

原点回帰の要素も含む『syndrome』に比べると、『DOROTHY』は新しい鬼束ちひろという印象なので最初は聴きづらいと思うかもしませんが、ぜひ聴き込んでみてください。きっと鬼束ちひろの用意した「ストーリー」が語るものが伝わってきます。

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